КульМод мода в контексте культуры
   
энциклопедическая

символика смерти и мода

знаменитые художники и мода

любовная символика и
мода

язык флирта и мода

четыре секрета
от эксперта моды Татьяны Терешкович

«Энциклопедия аксессуаров, обуви и парфюмерии»

«Энциклопедия костюма и моды»

книги Татьяны Терешкович

эссе Татьяны Терешкович

фотографии Светланы Зябкиной

фильмы о моде

оскар за костюмы

музей винтажной бижутерии

 

Аксессуары (фр. accessoire от accessorius – добавочный, дополнительный) – части и детали костюма, которые подчиняются тем же законам моды, что и одежда, и служат дополнением к ней: головные уборы, веера, галстуки, съемные украшения, сумки, перчатки, палки, трости, зонты, очки, шапки, шляпы, платки, шали и шарфы. С точки зрения стилиста правильно подобранные аксессуары способны скрыть недостатки и подчеркнуть достоинства фигуры, а также продемонстрировать статус владельца. Некоторые историки костюма относят к аксессуарам и обувь, хотя это и противоречит дословному переводу термина.

Амазонка (от древне-греч. amazon – женщина-воин) – женское длинное платье для верховой езды с юбкой специального асимметричного кроя, удобного для дамского седла.  По легенде, амазонки жили в женском государстве в Азии, позднее так стали называть всех наездниц. До XVI в. женский костюм для верховой езды не отличался от обычного. Первой женщиной, носившей пышно украшенные брюки, была Мария Медичи (1519 – 1589). В XVII в. к ним добавили мужской камзол с широкими отложными манжетами, отделкой золотой нитью и золотыми пуговицами, а в XIX в. наездницы стали пододевать под юбку мужские брюки. К 1870-м гг. юбки стали заметно уже и, чтобы они не приподнимались при езде слишком высоко и не открывали ноги всадницы, был введен асимметричный крой со шлейфом сзади и с напуском на переднем полотнище, который натягивался коленом. Спешившись, шлейф подхватывали и закрепляли подол юбки под коленом так, чтобы в ней было удобно ходить. Амазонки шили из бархата, сукна, плотного шелка разнообразных цветов. Костюм дополняли высокие сапоги, приталенный корсаж и цилиндр, ток или жесткая шляпа с полями. Украшением головных уборов служили перья, вуали и шарфы.

Атур-а-баньер (франц. atour-a-bagniere) – во Франции позднего средневековья женский головной убор. Состоял из небольшой шапочки, в которую укладывали зачесанные кверху волосы, и вуали, закрепленной поверх шапочки обручем. Шапочка держалась с помощью каркаса атур, идущего надо лбом и вдоль ушей и соединенного на затылке в замок.

«Антверпенская шестерка». В 1987 г. шесть выпускников Королевской академии изящных искусств Антверпена (Fashion Department of Royal Academy of Fine Arts, была основана в 1663 г.) в складчину приняли участие в неделе моды в Лондоне, и их коллекции произвели фурор. Имена дизайнеров многим казались труднопроизносимыми, поэтому их назвали «Антверпенской шестеркой» («The Antwerp SIX»).
Дрис ван Нотен (Dries Van Noten, род. 12 мая 1958 г. в Антверпене) разрабатывает интеллектуальные вещи, с которыми «приятно жить» людям, стремящимся подчеркнуть свою индивидуальность, но при этом не выделяться из толпы. Его считают создателем этнического стиля, сочетающего современные технологии (фотопринт) с традиционными (ручная вышивка). Одежда, обувь и аксессуары отличаются изысканным сочетанием сложных цветов и рисунков. Первый собственный небольшой бутик дизайнер открыл в 1989 г. в Антверпене, а до этого помогал своему отцу – владельцу магазина мужской одежды. В 1993 г. были открыты бутики в Париже и Милане, в 1997 г. – в Токио и Гонконге. В 2008 г. Дрис ван Нотен стал лауреатом престижной премии Совета американских дизайнеров моды.
Вальтер ван Бейрендонк (Walter Van Beirendonck, род. 4 февраля 1957 г. в Брехте) в своих коллекциях широко использует фольклорные, кинематографические и литературные ассоциации. С 1993 по 1999 гг. являлся владельцем основанного им лейбла «Wild & Lethal Trash» («W&LT»), а затем создал бренд под собственным именем. Он возглавляет факультет моды в Королевской академии изящных искусств, курирует выставки, иллюстрирует книги, рисует комиксы и создает костюмы для кино и театра. В 1999 г. Вальтеру Ван Бейрендонку было присвоено почетное звание «Посол фламандской культуры».
Анн Демельмейстер (Ann Demeulemeester, род. 29 декабря 1959 г. в Антверпене) называют фламандской королевой авангарда и считают одной из основательниц стиля деконструктивизм. Она предпочитает черно-белую гамму и в лучших традициях от кутюр (без выкроек) создает «интровертную одежду для интеллигентных личностей». Вместе с мужем, фотографом Патриком Робином, она живет в Антверпене, в единственном в Бельгии доме, построенном по проекту Ле Корбюзье.
Дирк Биккембергс (Dirk Bikkembergs, род. 2 января 1959 г. в Кельне) после окончания Академии дебютировал коллекцией мужской обуви в стиле милитари, затем разрабатывал линии мужской и женской одежды и обуви, в 2000 г. представил линии из денима «Bikkembergs Jeans and Streetwear» и молодежную «Bikkembergs Sport», в 2001 г. привлек к себе внимание модным показом на футбольном стадионе Сан-Сиро. В его коллекциях совмещаются стили casual и спортивный с оттенком брутальности, а предпочтительными материалами  являются тяжелые ткани и кожа. В числе клиентов дизайнера – футболисты миланского клуба «Интер».
Первый показ коллекции Дирка ван Саена (Dirk Van Saene, род. в 1959 г.)  состоялся в Париже в 1990 г. В его линиях одежды можно встретить модели элегантные, авангардные и в стиле деконструктивизм.
Марина Йи (Marina Yee, род. в 1958 г. в Антверпене) в 1990 г. оставила модную индустрию, но 2003 г. открыла собственное ателье в центре Брюсселя.

Бандо (франц. bandeau – повязка или лента) – 1) во второй половине XIX в. – украшение в виде повязки из лент на женских шляпках; 2) в стиле хиппи повязанный поверх длинных волос платок или шарф, скрученный в жгут или сложенный в виде неширокой полосы. В наше время название бандо относят также к повязкам и лентам для волос с крупными деталями вроде броши (вечерний вариант), расшитым пайетками или кристаллами (повседневный вариант); 3) в моде стиля ампир, а затем Ар Деко головная повязка поверх маленькой аккуратной ампирной прически или короткой стрижки (гарсон, бубикопф и т.п.). В 1920-е гг. повседневный вариант представлял собой жгут или полосу из шелковой ткани, вечерний делали из дублированной жестким материалом ткани (чаще всего парчи) и украшали брошью, а также в виде бархатной или узкой ювелирной ленты с эгретом и плюмажем в сете с сотуаром. Ювелирные бандо выполняли в виде полосы орнамента (меандр, чередование пальметт или многоугольников), инкрустированного бриллиантами, сапфирами, рубинами и изумрудами. Простая строгая форма бандо в полном соответствии с эстетикой стиля, тем не менее, не делала его менее роскошным, чем оставшаяся официальным украшением королевских особ тиара. Многие бандо, как и сотуары, были трансформерами: их можно было превратить в брошь, ожерелье или браслет и даже разделить на несколько изделий.

Бант-склаваж (от фр. esclavage – рабский) – вошедший в моду в середине XVIII века ювелирный аксессуар в виде крупного банта на плотно облегающей шею кружевной ленте или бархотке, который надевали к парадному платью с глубоким декольте, часто одновременно с длинными, свободно висящими рядами жемчуга. Название этого украшения является элегантной аллюзией – таким способом дамы галантного века шутливо признавали себя рабынями бога любви Амура, что и дало название аксессуару. Изначально банты-склаважи изготавливали с каркасом из золота и серебра, декорируя вставками из бриллиантов и шпинели. Позднее появились узорные банты, полностью усыпанные бриллиантами и включающие растительные мотивы – веточки, цветы и листья. Бант-склаваж мог иметь застежку, и в этом случае его носили и как брошь, получившую позднее название брошь де Севинье. Одним из самых знаменитых склаважей является хранящийся в Алмазном фонде России золотой бант (1764) с 21 шпинелью общей массой 150 карат в глухой оправе с подложкой из фольги.

Бижутерия (фр. bijouterie – изготовление ювелирных изделий от bijou – драгоценность, сокровище). Все украшения условно подразделяют на три группы: ювелирные изделия, изделия бридж и бижутерию. К бижутерии относят украшения из дешевых материалов (стекла, неблагородных металлов и недрагоценных камней, бисера, керамики, кожи и пластмассы). В свою очередь бижутерию разделяют на три основных группы: имитация ювелирных изделий, авторские изделия (бижутерия арт-дизайна) и изделия-однодневки массового производства.
Для имитации ювелирных изделий в бижутерии используют заменяющие драгоценные камни стразы или органическое стекло и простые сплавы (олова, свинца, никеля, меди), которым с помощью позолоты и серебрения придают вид благородных металлов. В наши дни чаще всего применяют технологию напыления гипоаллергенных покрытий. Бижутерию арт-дизайна производят в разных техниках набольшими сериями для бутиков и делают штучно на продажу или на заказ. Известные фирмы и художники нередко декорируют бижутерию полудрагоценными камнями и другими материалами, более характерными для изделий бридж.
История украшений из дешевых материалов не менее захватывающая, чем у драгоценностей. У простых египтян очень популярными были амулеты из камня в форме сердца или глаза (сердце олицетворялось с вместилищем жизненной силы, а глаз по поверьям защищал от дурного влияния). Египтяне научились также делать украшения из стеклянной массы или вытягивать из нее нити и нарезать их на бусины. У большинства европейских народов дохристианского периода в ходу были кольца, фибулы, серьги, колты из бронзы и простых металлов и сплавов. В эпоху средневековья ношение украшений из дешевых материалов стали считать постыдным, и начало бурно развиваться искусство подделки ювелирных изделий, хотя попытки имитации драгоценных камней предпринимались уже в древние времена и совершенствовались параллельно с развитием стеклоделия. Смесь для стразов современного типа впервые получил в 1758 г. венский ювелир Жорж Фредерик Страз, в России подобными опытами занимался М.В. Ломоносов. Как только технологически стало возможно получать стразы очень высокого качества, их стали использовать и для легального изготовления копий: нередко владельцы эксклюзивных и очень дорогих украшений предпочитают хранить их в сейфах, а «на выход» надевать качественные подделки. Наибольшего искусства в изготовлении украшений из стразов достигли венецианские и богемские ювелиры, но самым знаменитым и успешным производителем стразов стал Даниэль Сваровски.
Считается, что в высокую моду бижутерия пришла с легкой руки Коко Шанель, которая предложила использовать ее для придания костюму свежести, меняя аксессуары в зависимости от ситуации. Но, объективно говоря, Великая Мадемуазель шла по стопам талантливейшего ювелира эпохи модерна и Ар Деко Рене Лалика, который в течение всей своей долгой и исключительно успешной творческой жизни применял для изготовления украшений нетрадиционные для них муранское стекло, перламутр, черепаховый панцирь, слоновую кость. Значительную часть разработанных им украшений по современной классификации можно отнести к арт-бижутерии или бридж. Именно он впервые «заставил» публику понять, что дорого могут стоить не только камни и металлы, но и творческая фантазия, и безупречное мастерство.
Бижутерию в стиле Шанель часто называют «костюмной». По легенде, во Франции были высокие налоги на украшения, но не на одежду, и Шанель стала продавать бижутерию в качестве обязательного аксессуара к костюму и таким образом избегала налогов. Позднее ее опыт использовала в США Бетси Джонсон.  Костюмная бижутерия, в свою очередь, делится на дневную и вечернюю, а дневная – на  бижутерию для офиса (более строгую) и отдыха.
В годы Второй мировой войны и сразу по ее окончании центром производства бижутерии были США, где впервые начали применять пластмассу. Популярности этих недорогих изделий способствовали голливудские звезды – любая женщина могла купить точную копию колье или серег, которые носили Элизабет Тэйлор или Вивьен Ли.
В конце ХХ в. бижутерию, имитирующую изделия из драгоценных камней и металлов,  выпускают почти все Дома Моды, и стоимость изделий знаменитых фирм зачастую превышает стоимость ювелирных украшений массового производства. А винтажная бижутерия высокого качества с клеймом изготовителя стала предметом коллекционирования (особенно ценятся изготовленные в 1930-е гг. украшения из пластика и бакелита).
Самыми знаменитыми производителями бижутерии считаются «Яблонекс», «Kenneth Jay Lane» (у него заказала копию драгоценного ожерелья Жаклин Кеннеди, чтобы хранить оригинал в сейфе), «Camrose&Cross» (единственная в мире компания, которая имеет права на изготовление копий с украшений Жаклин Кеннеди), Нолан Миллер (главный костюмер сериалов «Династия», «Ангелы Чарли», «Голливудские жены», создавал бижутерию для Элизабет Тэйлор, Жаклин Смит, Натали Вуд, Линды Эванс), «Trifari» (бижутерия в стиле «Cartier»), «Kirk`s Folly» (фантазийные ювелирные изделия и аксессуары), «Goldette» (ювелирные сплавы под состаренное серебро и золото, камеи ручной работы на раковинах и стекле, роспись по фарфору), «Hattie Carnegie» (фигурные броши с разноцветными вставками из пластика), «Whiting & Davis» (эксклюзивность – сетка из колец или из крохотных металлических пластинок, соединенных кольцами), «Askew London» (оригинальные ювелирные компоненты середины ХХ в., муранское стекло, стразы «Swarovski»), «Аvon» (лицом бижутерии фирмы была Элизабет Тэйлор), «Krementz Co» (слоновая кость, позолота, натуральный жемчуг), «HAR» (покрытые эмалью фрукты, овощи, цветы, фигурки человечков и животных), Джоан Риверз (реплики работ «Фаберже» и знаменитых украшений, продающихся на Мэдисон Авеню в Нью-Йорке). Качественную бижутерию выпускают в Японии, успешно конкурирующей с европейскими и американскими фирмами благодаря низкой цене. В последние годы оригинальные изделия высокого качества создают в Гонконге, Тайване и Южной Корее.

«Бон Марше» (франц. «Le Bon Marché» – удачная покупка) – открытый Аристидом Бусико (Aristide Boucicaut) и его супругой Маргаритой в 1852 г. в Париже, на Левом берегу Сены (rue de Sevres, 24) первый универсальный промтоварный магазин для женской клиентуры. В нем впервые в истории торговли цены были выставлены на всеобщее обозрение (а не обговаривались, как раньше, с каждым покупателем), продавались товары нескольких ассортиментных групп, были введены низкие торговые наценки и метод увеличения прибыли за счет оборота, возврат и доставка товаров, торговля по каталогам, рекламные буклеты и объявления в газетах, а также социальные льготы для сотрудников (один выходной в неделю, медицинская помощь, пенсионный фонд). В 1869 г. Бусико выкупил находившуюся поблизости заброшенную больницу, чтобы выстроить самый большой магазин Парижа. Работа была поручена архитектору Луи Шарлю Буало и инженеру Густаву Эйфелю, который использовал металл для стеклянных перекрытий в потолке,  благодаря которым внутрь магазина проникал дневной свет. Позднее подобные универмаги под девизом «товары на радость» были открыты и в фешенебельных кварталах. Сегодня в «Le Bon Marché», наряду с продукцией люксовых брендов, предлагают французские товары менее известных марок, его общая торговая площадь составляет 32 000 м2.

Бутоньерка (фр. boutonnière – петлица) – букетик цветов или один цветок, который прикалывают к лацкану пиджака или вставляют в петлицу.История бутоньерки началась в XVI в., но уже задолго до этого букетики из ароматических трав (тимьян, рута и розмарин) прикалывали к одежде в целях защиты от дурного глаза, злых духов и болезней во время эпидемий. Рыцари носили на одежде любимый цветок дамы сердца. Тем не менее, считается, что моду на бутоньерки ввел принц Альберт, который в день свадьбы с королевой Викторией вынул цветок из ее свадебного букета, прорезал петлицу в мундире и вставил в нее импровизированную бутоньерку. К концу XIX в. бутоньерка стала обязательным аксессуаром денди наряду с карманными часами, портсигаром и булавкой для галстука. В США мода на бутоньерки пришла в 1930-е гг. благодаря принцу Уэльскому, появившемуся в Голливуде с приколотой к лацкану  белой гвоздикой, что на языке цветов означало «ах, бедное мое сердце» и было воспринято как символ его романа с Уоллес Симпсон. Эту идею позаимствовали голливудский денди Фред Астер, затем Гари Купер и Дуглас Фэрбенкс-младший. На языке цветов бутоньерка из анютиных глазок говорила: «Все мои помыслы – о Вас». Ландыши, маки и незабудки символизировали начало романа, его окончание и верность в разлуке, однотонная гвоздика означала «да», а пестрая «нет». Самый знаменитый денди своего времени Оскар Уайльд эпатировал свет окрашенной в зеленый цвет гвоздикой. Бутоньерки можно увидеть и на лацканах знаменитых киногероев: Бонда (Шон О´Коннери), Дона Корлеоне (Марлон Брандо), в экранизациях пьес Оскара Уайльда (Руперт Эверет). Фиалка в бутоньерке Эркюля Пуаро Агаты Кристи в исполнении Дэвида Суше – символ знакомства с подарившей ему этот аксессуар Вирджинией Менар (эпизод «Коробка шоколадных конфет»). Чарли Чаплин в фильме «Огни большого города» выстроил на игре с бутоньеркой комическую и трогательную историю любви. Современный флорист Erin Rosenow из Сан-Франциско включает в композиции маленькие игральные кости и косточки-домино, музыкальные инструменты, горные лыжи, тюбики губной помады, подвязки для чулок и даже рогатые оленьи головы, и такое решение говорит о нем и его заказчиках не меньше, чем классический язык цветов.

Вестидо (исп. vestido) – в XVI в. в Испании женское платье с узким лифом, очень пышными рукавами и широкой юбкой, как правило, светлое, сшитое из дорогой ткани и украшенное пунтасами, драгоценностями и кружевами. Очень длинные, расширяющиеся книзу рукава делали с разрезами, декорируя отлетной край каймой.

Гейбл (англ. gable – конек крыши) – в Англии начала XVI в. женский головной убор, имевший форму, напоминающую крышу дома. Первоначально его носили поверх белого полотняного чепца со спущенными на плечи концами. Форму гейблу придавал каркас, край которого на уровне середины лба закрывала жесткая лента или обвитый лентой валик. Переднюю часть гейбла вышивали шелком, золотом, драгоценными камнями. Позднее на каркасе стали закреплять черную цельную вуаль, а с 1525 г. – вуаль с разрезом сзади до затылка. Концы вуали в последнем случае заворачивали и прикрепляли к нижней части каркаса или перекидывали на одну сторону.

«Глаз любовника» – миниатюрный портрет на слоновой кости и других материалах, на котором изображен только один глаз любимого человека, мужчины или дамы, в ювелирной оправе с инкрустацией драгоценными камнями и жемчугом. Считается, что этот предмет появился в конце XVIII века, когда принц Уэльский (будущий английский король Георг IV) влюбился во вдову-католичку Марию Фицхерберт, которая была на шесть лет его старше, и тайно женился на ней 15 декабря 1785 года. «На вечную память» супруги обменялись портретами-миниатюрами работы придворного художника Ричарда Косвея (англ. Richard Cosway). Поскольку факт бракосочетания нельзя было разглашать, Косвей предложил нарисовать лишь часть лица, чтобы только владелец портрета мог знать, кто на нем нарисован. Позднее брак был признан недействительным, так как отец принца, Георг III, не утвердил его, но даже став королем, Георг IV носил миниатюру под лацканом. По мнению антикваров, в период до 1830 года было создано более 1000 «глаз любовника». Сначала их делали с целью сохранить анонимность, затем они превратились в памятное украшение, в том числе напоминающее об умершем супруге или ребенке. Глаза любимых изображали на кольцах, браслетах, подвесках, брошах, кошельках, бонбоньерках и локетах, в последних вместе с миниатюрой хранили локон волос. Самыми известными коллекционерами «глаз любовника» являются хирург-офтальмолог Дэвид Скаер и его жена Нэн (англ. Dr. David and Mrs. Nan Skier), собравшие около ста старинных миниатюр, датируемых 1800-ми годами. Семья Скаер предоставляла свою коллекцию для выставки в Бирмингемском Художественном музее и издала книгу о ней. Броши и подвески  «Глаз любовника» есть и в экспозиции Музея Виктории и Альберта в Лондоне.

Гламур (франц. glamour – шарм, очарование) – собирательное название роскошного стиля жизни и моды (всего, что обычно изображают на обложках глянцевых журналов). В русском языке первые фиксации слова «гламур» отмечены в 1990-е гг., однако широко распространенным оно стало в 2000-е гг. В связи с модой на гламур развился процесс гламуризации общества. По мнению профессора Стивена Гандла (англ. Stephen Gundle), автора книги «История гламура»,  в саму природу этого явления заложен оксюморон из несовместимой пары понятий «доступная эксклюзивность», «демократичная элитарность». В среде современного молодежного гламура, сформировавшейся на базе клубной жизни и светских вечеринок, главным правилом является беспрекословное следование последним модным течениям, диктуемым глянцевыми журналами и их рубриками «Выбор… » и «Must have», с помощью которых эту тему эксплуатируют производители парфюмерии и аксессуаров. Для ухоженной гламурной особы обязательны маникюр и педикюр, обувь на очень высоких каблуках и со «сладким» декором (расшитая бисером, пайетками или стразами), фирменная сумочка и сладкий цветочный аромат с афродизиаками (например, «Glamourous Ralph Lauren» с нотами розы, белой лилии, туберозы, имбиря, мускуса и ветивера, созданный в 2001 г. парфюмером Гарри Фримонтом (англ. Harry Fremont). Поклонницами гламура являются Пэрис Хилтон, Рианна, Дита фон Тиз, Ева Лонгория, Кайли Миноуг, Кристина Агилера, Сара Джессика Паркер, Дженифер Лопес, Джессика Симпсон, Бритни Спирз, Памэла Андерсен.

Гламуризация – основанный на принципах гедонизма эстетический феномен, связанный с культурой массового потребления, модой и шоу-бизнесом и проявляющийся в придании вещам, имиджу людей и событиям гламурного вида с целью приукрашивания себя или стимуляции потребительского спроса. Гламуризация впервые проявилась как попытка формирующегося класса буржуазии перенести в свою жизнь аристократизм, привлекательный, как все недоступное. Но поскольку он не был, в отличие от высшего класса, воспитан средой с детства, то приобрел черты театральности. Первыми носительницами «чистого гламура» считаются куртизанки, поэтому и сегодня одной из основ гламура остается эротика. Стилисты звезд Голливуда 1930 – 1950-х гг. Марлен Дитрих, Грейс Келли и Греты Гарбо применяли специальные приемы гламуризации, огромное внимание уделяя волосам, макияжу и аксессуарам и фотографируя актрис в декорациях, цветовое решение которых специально подбирали под тон их кожи.
В 1995 г. за коллекцию, стилизованную под голливудское кино 1930 – 40-х гг., Джон Гальяно в третий раз получил награду «Дизайнер года» и неофициальное звание основоположника современного гламура.

Декольте «Сабрина» – неглубокое декольте  с вырезом четырехугольной формы, получившее название в честь героини одноименного фильма. Над костюмами для фильма «Сабрина» работала звезда Голливуда, обладательница премий «Оскар» Эдит Хед. Но Одри Хэпберн за ее спиной уговорила режиссера позволить ей самой выбрать для сцены, в которой Сабрина преображается в прекрасную леди, «настоящее парижское платье» и отправилась в Париж, к Баленсиага, который и направляет ее к Юберу Живанши. Одри выбрала наряды из текущей коллекции, привезла их в Голливуд, и в фильме она носила лишь четыре повседневных комплекта, сшитые Эдит Хед. Но в своей речи при получении премии «Оскар» за лучшие костюмы к фильму «Сабрина» Эдит Хед даже не упомянула Юбера де Живанши, сидящего в этот момент в зале, надеясь, что он не будет поднимать скандал. Он и не стал, но когда через пару лет Эдит Хед и Юбер де Живанши работали над фильмом «Забавная мордашка», кутюрье поставил обязательным условием включение его имени в титры, и за этот фильм на «Оскар» они номинировались вместе. Одри с тех пор стала близким другом Живанши – и в жизни, и в кино она долгие годы была «лицом» Дома «Givenchy». Фильмы «Забавная мордашка», «Завтрак у Тиффани», «Любовь после полудня», «Париж, когда там жара», «Шарада» и другие, где она снималась в костюмах от «Givenchy», прославили на весь мир его представление об утонченной элегантности. Для Одри Хепберн в 1957 г. дизайнер разработал и свои первые духи «L’Interdit». Успех этого аромата стал основанием для создания компании «Parfums Givenchy». 

Епанечка – разновидность душегреи, короткая утепленная кофточка без рукавов и воротника, чаще всего на бретелях. В народной одежде, главным образом в северных областях России, носили с парадным костюмом, шили из бархата или парчи и украшали позументом и цветной вышивкой. В городском быту – теплая домашняя одежда, чаще всего с воротником.

Жакет а ля кули (франц.) – прямой свободный жакет длиной до бедра, чаще всего вязаный. Подобную одежду носят кули (от инд. Koli, названия низшей касты в Западной Индии – носильщик, грузчик в Индии, Индонезии, Китае, Японии), что и дало название жакету.

Карат (фр. carat, нем. Karat) – 1) мера веса драгоценного камня (сокр. ct), равная 200 мг. Карат, в свою очередь, подразделяется на 4 грана, а гран – на 16 частей. Термин произошел от итал. carato, восходящего к греч. keration: так греки называли стручки рожкового дерева Ceratonia siliqua, семена которых использовали в качестве меры веса. Долгое время эта мера различалась в разных странах:голландский карат был равен 205,89 мг,  английский – 205,30 мг; гамбургский – 205,86 мг; французский – 205,50 мг. Величина карата, предложенная как единая мера веса главным ювелиром Дома «Tiffany» геммологом Георгом Фредериом Кунцем, был официально принята в 1907 г. в Париже на IV Генеральной конференции по мерам и весам. В России эту меру веса используют с 1922 г.; 2) проба благородного металла (сокр. К), определяющая его количество в сплаве – 1000 долей сплава соответствует 24 каратам. Называемый британским карат используют в англоязычных странах и Швейцарии.

Карне, карне де баль (фр. carnet de bal – бальная карта) – в XVIII и XIX вв. вечерний аксессуар, записная книжка-блокнот. Изначально, в галантном веке в карне писали записки и делали рисунки-наброски куртуазного содержания, находясь в театре, на празднике или приеме. Странички-вкладыши в них делали из слоновой кости или перламутра, с которых было легко стереть рисунок. Со временем дамы стали использовать карне и как бальный блокнот для записи имен партнеров, которым обещан танец. Бальные карне делали из золота, серебра, перламутра, слоновой кости и черепахового панциря, декорируя драгоценными камнями, живописной эмалью и миниатюрами, инкрустацией и встроенными часами и т.п. Наряду с портбукетом карне стал обязательным бальным аксессуаром и, как правило, имел вид футляра на цепочке. Чаще всего в нем было несколько  отделений: для хранения грифеля и пластинок для записей, для мушек, косметики и т.п. Но существовали и эксклюзивные решения – например, в виде веера. К концу XIX в. пластинки карне стали делать в виде блокнота со страничками из картона, на которых типографским способом был напечатан список танцев. Такой вариант карне позаимствовали мужчины, используя его для деловых записей. В начале ХХ в. появились одинарные карне-карточки из картона. В 1935 г. парфюмер Ревьон создал аромат «Carnet de Bal» как ностальгическое напоминание об уходящей эпохе балов.

Кладдаг, кладдах, кладда (ирл. claddagh) – традиционное ирландское кольцо-головоломка, которое носят в знак дружбы или помолвки и передают от бабушки к внучке или от матери к дочери. В собранном виде оно выглядит как сложенные в рукопожатии ладони, которые держат увенчанное короной сердце (оно символизирует любовь, а руки – верность). В классической версии кладдаг, в отличие от первоначальной дублинской, присутствует корона, символизирующая лояльность, а рукопожатие в этой трактовке означает доверие.
Кольцо кладдаг получило свое название благодаря легенде, связанной с ирландской рыбацкой деревушкой Кладдаг (сейчас – пригород г. Голуэй), которая гласит, что в ней в 1660 – 1737 годах жил Ричард Джойс, отправившийся в Вест-Индию, чтобы заработать на женитьбу на своей возлюбленной. По пути корабль был захвачен алжирскими пиратами, Ричард Джойс был взят в плен и продан в рабство мавру-ювелиру. Работая в неволе, он в совершенстве овладел ремеслом и, тоскуя по невесте, создал кольцо в форме двух рук, которое привез домой после того, как в 1689 году Вильгельм III Оранский договорился с маврами об освобождении британских рабов. Невеста Ричарда верно ждала его, они поженились, и Ричард занялся ювелирным делом на родине, а изобретенное им кольцо стало символом верности. По другой легенде, влюбленный в простолюдинку король от безысходности покончил с собой, так как не мог заключить неравный брак, что, по ирландским поверьям, пагубно отразилось бы на плодородии земель его подданных и его собственных. Короля похоронили, вложив в его руки его же сердце,  а кольцо со сложенными таким образом руками стало символом «любви до гроба». Кладдаг связывают и с королем рыбаков Голуэя и его символическим девизом: «Мы хотим править в духе любви и дружбы», а отсутствие короны в нем символизирует борьбу за независимость Ирландии от Великобритании. В этой трактовке допускается версия, что корона на кольце появилась по приказу королевы Елизаветы I. Кладдахское кольцо ирландские рыбаки изображали на лодках и парусах и носили как знак принадлежности к профессии. Вместе с эмигрантами оно попало в США и другие страны, при этом символика кольца значительно обогатилась. Так, если кольцо надето на правую руку, а сердце на нем обращено к кончикам пальцев, это значит, что владелец находится в поиске своей любви. Кольцо на правой руке с обращенным к обладателю кольца сердцем говорит о влюбленности и верности этой любви. Кольцо на левой руке с сердцем, обращенным к его владельцу, считается обручальным. Кольцо на левой руке с сердцем, повернутым вовне, носят во время свадебной церемонии как знак того, что сердца жениха и невесты устремлены друг к другу, а также помолвленные, вдовые и разведенные. Но и у себя на родине кладдаг по-прежнему популярен. В 1750 году Томас Диллон основал ювелирную фирму «Dillons of Galway», получившую королевский патент на производство колец кладдаг и за время своего существования изготовившую кольца по заказу многих монархов и знаменитостей (короля Георга V, Уолта Диснея, Уинстона Черчилля), в том числе и любовных пар (королева Виктория и Эдуард VII, князь Монако Ренье III и Грейс Келли). В 1984 году во время празднования 500-летия получения Голуэем статуса города его жители в ответ на поздравление президента США Рональда Рейгана подарили ему золотой кладдаг.
В наши дни в Ирландии существует музей колец кладдаг, а в Лондоне – основанный в 1991 году ирландский паб «The Claddach Ring» с интерьером в средневековом стиле и декором в виде колец. Символику кольца используют в серьгах, ожерельях, диадемах и сувенирной продукции. Кольца появляются в фильмах («The Doors»  Оливера Стоуна, телесериал «Баффи — истребительница вампиров»), о них поют в песнях (Энди Стюарт, «The Gold Claddagh Ring»; Дермот О’Брайан, «The Old Claddagh Ring»), упоминают в романах («Улисс» Джеймса Джойса, «Заклинание для спецагента» Роберта Асприна и Джоди Линн Най, «Королевство Возможного» Дэвида Левитана, «Вампираты. Демоны океана» Джастина Сомпера, «Поздний ужин с Клоудом ла Бадарианом» Уильяма Монахана) и других художественных произведениях.

Колет (от фр. collier – воротник от лат. collum – шея) – 1) в европейской моде XVII в. плотно облегающая тело верхняя мужская одежда, а также часть военного костюма. Колет шили из кожи, часто буйволовой, без рукавов, с расширенной книзу баской. Надевали поверх пурпуэна или хубона, форму которых он повторял; 2) в русской армии кавалерийский мундир белого сукна с застежкой посередине груди на крючки, часть парадной формы кирасирских полков. У офицеров Кавалергардского и Конного полка парадный колет имел красный цвет; 3) в настоящее время в женской моде от кутюр – приталенный жакет с проложенными плечами, копирующий ренессансный колет.

Куртка-косуха – короткая кожаная куртка, зауженная к талии, с косой застежкой-молнией от левого бедра к правому плечу, что придает ей сходство с военными мундирами времен Гражданской войны в США. Первая мотоциклетная косуха появилась в 1928 г. Сделал ее Ирвин Шот, один из братьев, основавших фирму «Schott» (одежду компании до сих пор приобретают авиация, ВМФ и полиция). Братья были первыми, кто установил на кожаную куртку застежку-молнию. Косуха – русскоязычное название всемирно известной куртки, в оригинале называвшейся «perfecto», как марка любимых сигар Ирвина Шота. В начале 1950-х гг. во время американо-корейской войны летчики получили от «Schott» специальную куртку для пилотов, которую отличали от других особо прочная и толстая кожа, теплая подкладка, подстраиваемый индивидуально размер талии, складка на спине (для свободы движений) и удлиненные рукава (для защиты даже вытянутых рук), После войны летчики пополнили ряды американских байкеров. Те, кто не был на войне, прониклись боевым духом и историей куртки, и ее особый фасон и стиль стали ассоциироваться с обликом мужественного воина-ветерана. Популярности косухи способствовал и Марлон Брандо, сыграв в ней бунтаря-хулигана в фильме «Тhe wild one» (1953). В мире музыки первым надел косуху  король рок-н-ролла Элвис Пресли. С тех пор кожанные куртки с косым покроем остаются символом свободы среди дальнобойщиков, байкеров и музыкантов всего мира. Позднее в косухе снимались Джонни Депп в фильме «Cry-Baby» (1990), Джон Траволта в фильме «Бриолин», Арнольд Шварцнеггер в фильме «Терминатор-2». Никакая другая одежда не создала такого культа, как эта «простая кожаная куртка для настоящих мужчин». Косуха популярна также в кругах неформалов (металлисты, панки), но разные субкультуры видят ее по-своему: панки любят, чтобы на косухе было как можно больше заплаток, нашивок и рисунков, а металлисты прошивают ее металлическими клепками. Свободный объем в верхней части спины и в плечах позволяет байкерам поддевать защиту, смягчающую падение с мотоцикла. С косухой прекрасно сочетаются и байкерские атрибуты (бандана, кожаные штаны), и обыкновенные джинсы, к ней подойдут практически любые ботинки.

Кутюр (франц. haute couture – букв. высокое искусство шитья) – швейное искусство на высоком уровне, в более узком значении – уникальное творчество ведущих парижских Домов Моды, задающее тон в международной моде; большая, или высокая, мода. Кутюром называют также отдельные модели, изготовленные в знаменитых Домах Моды для индивидуальных заказчиков по их меркам. Понятие haute couture появилось во второй половине XIX в. и связано с именем Ч. Ворта. Модели Ворта и его коллег высоко котировались не только из-за дорогих материалов и великолепной обработки. Самым главным было имя создателя, делавшее платье произведением искусства, которое могло быть выполнено только для заказчика, занимающего высокое положение в обществе. Авторитет Парижа в области моды был непререкаемым для аристократов и буржуа всех стран, и в 1868 г. был создан Парижский комитет профсоюзов швейной промышленности, который объединял ведущие Дома Моды Парижа и регулировал правовые вопросы отрасли. В начале XX в. в круг haute couture входили 20 модных фирм, во главе которых стояли сыновья Чарльза Ворта, Дусе, Пакен, Лаферьер, Шерюн, сестры Калло, Редферн и др. На их взносы осуществлялись мероприятия по охране авторских прав кутюрье. В 1913 г. была принята договоренность, запрещающая копирование моделей, а в 1943 г. – закон, на основании которого модельеры получили равные права с работниками искусства и литературы. В 1973 г. была сформирована Французская Федерация Высокой моды, prêt-a-porter и креаторов как централизующий орган всех существующих профсоюзных организаций в области моды, а также с целью разделения их полномочий и обязанностей. Сегодня на предприятия, входящие в состав Федерации, приходится 70% всего экспорта Франции. Она является высшим исполнительным органом всех входящих в нее палат. В роли палаты Высокой моды выступает Синдикат Высокой моды со всеми входящими в него Домами и ателье, занимающимися пошивом на заказ одежды того же класса. Палата prêt-a-porter объединяет Дома Моды, модельеров и дизайнеров, специализирующихся на женской одежде класса prêt-a-porter. В палату мужской моды, также созданную в 1973 г., входят Дома Моды и модельеры, занимающиеся производством мужской одежды. В 1975 г. в Федерацию влился Национальный ремесленный союз пошива одежды и смежных отраслей.
В сферу деятельности Федерации входит организация показов коллекций и разработка календаря показов высокой моды и prêt-a-porter. Каждый сезон проводится предварительный просмотр коллекций. С целью предотвращения совпадения показов по времени, расписание составляют и распространяют заблаговременно, что позволяет прессе и клиентам заранее ознакомиться с модными трендами. Федерация составляет также список представителей прессы, который направляет модельерам. Репортажи о Неделе Высокой моды в наши дни делают около тысячи журналистов и восемьдесяти крупных телевизионных каналов, не считая сотен региональных вещателей и Интернета (в 1950 – 1960-е гг. пресса на показах была персоной нон грата, и журналисты лишь через два-три месяца могли получить фотографии демонстрировавшихся моделей). Выбор места проведения показов также является прерогативой Федерации. Начиная с 1982 г., они проходят в самых престижных залах Парижа, чаще всего в комплексе «Карусель де Лувр».
Что касается высокой моды как искусства, то в начале ХХ в. в ней безраздельно царил П. Пуаре, затем более полувека угадывала желания женщин Коко Шанель. В 1930-е гг. в моде haute couture работали также знаменитые мадам Вионне и Эльза Скиапарелли. Основой стиля первой из них была драпировка из косой ткани, другая поражала эпатажными идеями и ввела квадратные плечи, на протяжении 15 лет считавшиеся самым стильным элементом одежды. Лишь в 1947 г. Дом Моды «Dior» отказался от них и вызвал настоящую революцию своим стилем «New Look». В 1955 г. стало сенсацией платье-мешок К. Баленсиага. В 1960-е гг. вызвала шумиху длина мини, на протяжении почти десяти лет формировавшая моду на всех континентах. С мини-модой связаны имена Мэри Куант, Андре Куррежа, Вивьен Вествуд и модели Твигги. В 1960-е и 1970-е гг. произошла новая «революция»: Ив Сен-Лоран первым вывел на подиум моделей в брючных костюмах с блайзером, смокингом и кардиганом. За ним пришли эпатирующие Пако Рабан, Джон Гальяно, Жан-Поль Готье и Тьерри Мюглер,  неистощимые в своей креативности Карл Лагерфельд и Исаак Мизрахи, лаконичные Кензо и Иссей Мияке, роскошный Кристиан Лакруа и сокрушительница устоев Рэй Кавакубо. Постепенно сформировалась итальянская альтернатива парижскому haute couture в лице Домов Моды «Armani», «Valentino», «Versace», «Gucci», «D&G», «Roberto Cavalli». В конце XX в. как один из самых эпатажных дизайнеров моды прославился невероятно работоспособный англичанин Александр МакКуин, который в некоторые годы создавал по 10 коллекций. На право называться мировым центром haute couture стал претендовать Нью-Йорк, и европейские поклонники моды узнали имена Майкла Корса, Дианы фон Фюрстенберг, Томми Хилфигера, Марка Джейкобса, Веры Вонг и Нарциссо Родригеса.
Федерация высокой моды и в наше время по-прежнему определяет статус кутюрье (члены, члены-корреспонденты, а также приглашенные члены, которые могут со временем войти в число постоянных участников), занимается организацией показов коллекций Домов Моды, поддерживает связи с прессой и баерами. Но требования к Домам Моды, кутюрье и их коллекциям постепенно упрощаются. Чтобы быть причисленным к кутюр в 1970-гг., центральное ателье, мастерские и основные магазины должны были находиться в Париже, чтобы подпадать под юрисдикцию французского Департамента промышленности. Обязательным было участие в Неделе высокой моды в Париже и представление там дважды в год коллекции не менее, чем из 75 моделей, с обязательным присутствием вечерних и свадебных туалетов. В конце 90-х гг. Дом Моды был обязан иметь не менее 15 служащих и дважды в год представлять коллекции по 35 платьев для дня и вечера. В 2001 г. правила приема были упрощены, что позволило получить звание кутюрье не имеющим профессионального образования Жан-Полю Готье и Тьерри Мюглеру. В Федерацию входили Дома Моды «Balmain», «Chanel», «Christian Dior», «Chris-tian Lacroix», «Emanuel Ungaro», «Givenchy», «Hanae Mori», «Jean Louis Scherrer», «Jean-Paul Gaultier», «Lekoanet Hemant», «Louis Feraud», «Thierry Mugler», «Torrente», «Yves Saint Laurent», «Victor & Rolf». Членами-коррес-пондентами являлись «Versace» и «Valentino». В 2002 г. в Синдикат был принят молодой французский кутюрье Доминик Сиро, в 2005 г. – Аделин Андре и Франк Сорбье. Количество выходов за показ уменьшилось до 25, были снижены требования к количеству сотрудников ателье Дома Моды, для участия в показах стали приглашать иностранных кутюрье и, по примеру американских коллег – талантливых начинающих дизайнеров. Членами и членами-корреспондентами Синдиката в 2014 г. были «Adeline André», «Atelier Gustavo Lins», «Chanel», «Christian Dior», «Christophe Josse», «Franck Sorbier», «Giam-battista Valli», «Givenchy», «Jean Paul Gaultier», «Maurizio Galante», «Stéphane Rolland», «Alexis Mabille», «Christian Lacroix», «Azzedine Alaïa», «Elie Saab», «Giorgio Armani», «Maison Martin Margiela», «Valentino», «Versace»; ювелирные Дома «Van Cleef & Arpels» и «Swarovski».
Мир высокой моды периодически переживает серьезные кризисы. В 1900 г. во Франции было 20 Домов Моды, в 1925 г. – 75, в 1937 г. – 29, затем их количество увеличилось, а с 1946 по 1967 гг. опять сократилось со 106 до 19. Каждую модель haute couture выполняют в единственном экземп-ляре вручную без применения лекал, платья должны идеально лежать «на теле модели», форму будущего наряда придают ткани булавками, на сколотые места наносят метки и по ним кроят. На пошив одной модели уходит от ста до пятисот часов. Продолжительность работы, стоимость ткани, использование вышивки, батика, драгоценных камней и других способов декорирования определяют стоимость наряда haute couture: для платья – от 26 до 100 тыс. долларов, для кос-тюма – от 16 тыс. долларов, для вечернего и свадебного туалета – от 60 тыс. долларов. Выбранный на дефиле лук является образцом, который не продается – для клиентов шьют новые версии, идеально подходящие к их фигуре и стилю. До Второй мировой войны примерно 15 тыс. женщин могли позволить себе носить платья, сшитые лучшими мастерами Парижа. А такие дамы, как герцогиня Виндзорская или Глория Гинесс, заказывали целые коллекции. После окончания Второй мировой войны, в 1950 и 1960-е гг. в Париже проходило до 100 показов в сезон. Клиентки парижских Домов Моды считали ниже своего достоинства одеваться в магазинах. В 1980-е гг. ряды клиенток пополнили жены и дочери неф-тяных шейхов, к концу столетия именно они составляли основу клиентуры, затем к ним присоединились жены и подруги российских олигархов, клиентки из Китая и Кореи. В настоящее время в мире насчитывается не более двух тысяч «потребителей» haute couture, основная часть которых проживает в Арабских Эмиратах, а число постоянных клиентов сократилось до 200. Благодаря новым технологиям, самые свежие и оригинальные идеи с подиумов почти моментально копируют, перерабатывают, тиражируют и тысячами продают в недорогих магазинах. «Быстрая мода» от «Zara», «Mango» и «H&M» также повлияла на модную индустрию: даже покупательницы шедевров от Домов Моды комбинируют эксклюзивные вещи с демократичными, что невозможно было себе представить 15 – 20 лет назад. А на светских мероприятиях высокого ранга эксклюзивность часто достигается благодаря тому, что с целью рекламы дизайнеры предоставляют звездам кино и другим публичным личностям модели haute couture напрокат.
Современный Дом Моды в среднем получает прибыль свыше миллиарда долларов ежегодно, но не за счет haute couture. Коллекции, на которые затрачены огромные творческие силы не только дизайнеров, но и ювелиров, деко-раторов, шляпных и обувных фирм, приносят своим создателям убытки. Бизнес поддерживают производство парфюмерии, косметики, аксессуаров и запуск ли-ний prêt-a-porter. Представители нового поколения дизайнеров, не желая смиряться со сложившимся положением вещей, создают коллекции прет-а-порте де люкс, а кутюрье старой школы упрекают коллег в том, что они уничтожают магию настоящей моды, поднимая уличную одежду до уровня подиумов.
Но высокая мода – это культурный феномен, который не поко-лебали даже имперские планы Гитлера, после поражения Франции в 1940 г. решившего перенес-ти центр мировой моды в Вену и Берлин. И кризис для мира моды не новость: впервые о нем заговорили в 1970-е гг., когда Ив Сен-Лоран разработал свои коллекции prêt-a-porter. В начале 1990-х гг. с падением цен на нефть резко сократилось число арабских клиентов. В 2002 г., после приобретения Дома «YSL» владельцем группы «Gucci», французским миллиардером Франсуа Пино, Ив Сен-Лоран вынужден был уйти в отставку, поскольку коллекции haute couture практически не продавались, увеличивая долги Дома. После его пресс-конференции, где он объявил о своем уходе, его партнер Пьер Берже заявил, что высокая мода умерла. В последующие два года от создания коллекций высокой моды отказались или временно приостановили показы Дома Моды «Torrente», «Balmain», «Carven», «Jean-Louis Scherrer», «Givenchy» и «Ungaro».
Тем не менее, начиная с 2005 г. высокая мода переживает подъем вместе со всей индустрией роскоши. Именно она демонстрирует наилучшие показатели люксовых продаж, хотя по-прежнему не покрывает расходов на изготовление коллекций и организацию дефиле, составляющие около 2 – 3 млн. евро. Но эффектные театральные шоу привлекают внимание прессы, создавая имидж бренда, ассоциирующийся с роскошью, блеском и гламуром. Дефиле высокой моды повышают продажи prêt-a-porter, аксессуаров (сумо-чек, поясов, перчаток, шляп, украшений), косметики и духов с лейблом Дома Моды и приносят им более 70% доходов, оправдывая любые затраты. Одним из самых успешных в маркетинговом плане является Дом Моды «Dior», prêt-a-porter и аксессуары которого мгновенно расходятся благодаря его статусу и проводимой глянцевыми журналами политике must-have. В 2005 г. запустил свою линию Высокой моды «Armani Prive» Джорджио Армани, и его ставка на сверхроскошь оказалась верной: каждый сезон европейские клиенты заказывают в среднем по три ансамбля из этой линии, которая словно создана для светских мероприятий высокого уровня: каждая вещь в ней сшита вручную, на что уходит два месяца. Постоянным клиентам Армани высылает DVD-диск или пароль для просмотра новой коллекции на веб-сайте Дома и после получения заказа отправляет к ним своих швей для примерок. Так же поступает и Дом Моды «Chanel», оплачивающий своей главной швее перелеты частным самолетом по всему миру. Для постоянных покупательниц проводятся закрытые показы в Париже, Нью-Йорке, Дубае, Москве, Нью-Дели и Гонконге. В Париже надеются, что «в мир моды вернулась мода на высокую моду». Она жива и, по мнению французского кутюрье в пятом поколении Оливье Лапидуса, «это тот высочайший уровень ремесла, только благодаря которому можно поддерживать создание недорогой, но модной и добротной одежды для широких масс». С целью поддержки этой концепции Дома Моды «Chanel» и «Dior» выкупили несколько выполняющих сложные ручные работы ателье, чтобы сохранить их знания и опыт, жизненно необходимые для высокой моды и моды вообще.

Лакенбут – вариант броши с переплетающимися контурами двух сердец, не менее популярный символ любви и верности, чем кладдахское кольцо. Названием она обязана маленьким магазинам-лакенбутам (англ. lucken booth – счастливый киоск, палатка), расположенным около Собора св. Джайлса в центре Королевской Мили в г. Эдинбург (Шотландия) и с XVI века торгующим ювелирными изделиями и другими товарами, связанными с традиционными ремеслами. Самую раннюю из известных лакенбутов историки датируют второй половиной XVII века. Символом любви и преданности брошь считают с того дня, как ее подарила лорду Дарнли Мария Стюарт. С начала XVIII века лакенбут стали декорировать надписями, а в викторианскую эпоху –  вставкой граната, символизирующего постоянство в любви и крепкую дружбу.

Маленькое черное платье – вариант коктейльного и вечернего платья длиной чуть выше или ниже колен. Введено в моду в 1926 г. Коко Шанель. Свое маленькое черное платье она сшила в 1925 г. как траурное после гибели в аварии Артура Кейпела, хотя он был уже женат, а их отношения давно закончились, а затем  «обыграла» его, превратив в удачный маркетинговый ход. Платье от Шанель отличали простой полукруглый вырез, длинные узкие рукава и полное отсутствие декора. Современный вариант платья значительно отличается от классического. Возможны мини-длина, различные типы воротников, использование кружев, оборок и прочих декоративных элементов. Классикой моды стали маленькие черные платья от Юбера де Живанши, которые носила героини Одри Хэпбёрн в фильмах «Сабрина» (1954), «Завтрак у Тиффани» (1961) и «Как украсть миллион» (1966).

Музей моды (ModeMuseum), MoMu был открыт в 2002 г., когда Антверпен приобрел репутацию одной из мировых столиц высокой моды. Здание музея, построенное в конце XIX в., первоначально предназначалось для склада одежды. In the course of the 20th century it changed ownership several times.В 2000 г. было принято решение о его реставрации по проекту архитектора Мари-Жозе Ван Хи. Van Hee's main intervention was to build a covered passageway that runs straight across a triangular patio and through which the natural light is dispersed on to the ground floor.Музей располагает более чем 25 тыс. экспонатов (коллекции женского и мужского платья, обуви и аксессуаров, вышивки и кружева, церковных тканей), созданных в разных странах Европы и иллюстрирующих историю европейской моды. Старейшие экспонаты собрания датируют XVI в. В музее представлены и работы знаменитых современных дизайнеров. Посетители могут побывать в реставрационной мастерской, библиотеке и архиве, а в экспозиции, посвященной конструированию одежды, увидеть вывернутые наизнанку изделия, что позволяет рассмотреть тонкости портновского мастерства. В музее проходят показы дизайнеров моды, а дважды в год – выставки, отличающиеся нестандартным концептуальным подходом к подаче материала. Так, выставка головных уборов английского дизайнера Стивена Джонса «Под углом 45 градусов» продемонстрировала все созданные им шляпы сидящими на голове под этим углом. С 12 сентября 2012 г. до 10 февраля 2013 г. MoMu представлял выставку «Мадам Гре (1903 – 1993)» из серии «Обзор работы парижских кутюрье». Мадам Гре известна как непревзойденный мастер бесшовной драпированной одежды, и, чтобы концептуально дизайн выставки соответствовал ее моделям,  бельгийский художник Ренато Николоди разработал специальные элементы декора и выставочное оборудование. Выставка «Костюм 1750 – 1950 гг.»  представила платья, кринолины, корсеты, чепцы, шляпы и прочие аксессуары из частной коллекции Якобы Де Ионге, которую ее владелица собирала более 50 лет. Она включает  около 2500 предметов, а поскольку музей является образовательной базой для академии моды Антверпена, все они будут доступны студентам для изучения. Эксклюзивная услуга музея – персональный шоппинг в сопровождении эксперта моды, выступающего в роли консультанта Адрес музея: Nationalestraat 28, 2000 Antwerp, Belgien.

Музей фальсифицированных товаров «Плагиариус» в немецком г. Золинген создан с целью привлечения внимания общества к необходимости усиления борьбы с подделками. Идея музея родилась в 1980-е гг., когда внимание немецкого дизайнера Ридо Буссе на ярмарке во Франкфурте-на-Майне привлек стенд фирмы из Гонконга, производившей почтовые тележки, т.к. одна из них была точной копией изобретенной и запатентованной им самим за несколько лет до этого. Ридо Буссе начал коллекционировать подделки и бороться с любыми формами фальсификации, а затем на базе своей коллекции открыл музей, где представлено более 350 экспонатов (одежда, обувь, парфюмерия, бытовая техника, электроника, игрушки и т.п.), в том числе: сумки и сабо от «Louis Vuitton», сумка от «Prada», кроссовки «Puma» и «Adidas», ремни от «Chanel», парфюмерия от «Armani», «Gaultier», «Davidoff», «Bvlgari», «Boss», «Joop!», «Gucci» и др., а также подделки моделей небольших и недорогих марок. Самым «почетным» экспонатом является фальсификация одного из старейших парфюмерных шедевров – «eau de Colonge», т.е. первого одеколона. В музее есть только один оригинальный экспонат – небольшая статуэтка вымышленного существа по имени Плагиариус, «Оскара» мира подделок –  международный приз, который по инициативе Ридо Буссе ежегодно вручают «за выдающиеся достижения в области беззастенчивого плагиата». Адрес музея: Bahnhoffstraße 11, 42651 Solingen, Германия.

Очки для Одри Хэпберн. Все модели для актрисы (фильмы «Завтрак у Тиффани», «Двое в пути», «Как украсть миллион») создавали специально под параметры ее нестандартного по пропорциям лица. В 2011 г. фирма «Oliver Goldsmith» выпустила реплику модели очков «Manhattan», посвятив ее 50-летнему юбилею со дня выхода фильма «Завтрак у Тиффани», а позже появилась в продаже и модель «Audrey» – идеально круглые очки в разноцветных оправах.

Очки шпионские – очки обтекаемой формы с узкими каплями линз, непосредственно к которым крепят дужки. Вошли в моду в конце 1990-х гг. после премьеры первой части трилогии «Матрица». Очки главных героев были разработаны основателем фирмы «Blinde Eyewear» Ричардом Уокером и никогда не поступали в продажу, в отличие от созданных по их мотивам копий, более 10 лет пользовавшихся необычайной популярностью.

Пат-де-вер (фр. pate de verre – расплавленное стекло) – техника изготовления художественных изделий из стекла, при которой стеклянный порошок набивают в форму и разогревают до высоких температур, в результате чего происходит его спекание. Технология может также включать изготовление «пасты» из стекла, которую наносят на поверхность изделия и затем запекают. Схожими приемами работы с кварцевым порошком владели древние египтяне, затем их по архивным документам восстановил и усовершенствовал Рене Лалик. В 1920-е гг. технологию литого стекла использовала фирма «Maison Gripoix», основанная в 1870 г. Сюзанной Грипуа. Ее дочь Жозетт при производстве бижутерии немного изменила классическую технологию: сначала она плавила стекло, а уже потом заливала стеклянную массу в пресс-формы. Кабошоны чистого и насыщенного цвета получались прозрачными и блестящими, они превосходно имитировали натуральные камни.

Платье-футляр – узкое, подчеркивающее фигуру вечернее и коктейльное платье, пик популярности которого приходился на 1930-е и 1960-е гг. В настоящее время считается обязательным элементом гардероба. Отличительными чертами платья являются отсутствие рукавов, воротника и горизонтального шва в районе талии или бедер, вырез закругленной формы и длина до или чуть ниже колена.

Портбукет (фр. porte-bouquet от porter — носить и bouquet – букет) — ювелирный бальный дамский аксессуар. Вошел в моду в эпоху Людовика XIV как украшение в виде прикрепленной к корсажу платья и декорированной бриллиантами миниатюрной вазочки, предназначенной для букета живых цветов. Наибольшей популярностью портбукет пользовался в период стиля бидермейер, когда на балу было принято держать в руке букет живых цветов. Букет также мог выполнять роль символа-признания дамы королевой бала или пригласительного билета на танцевальный вечер. Чтобы цветы не вяли и не пачкали платье, их стебельки прятали в емкость с водой в виде довольно крупного футляра-портбукета, богато декорированного кружевами и бантами в тон платью. Портбукеты изготавливали из слоновой кости, хрусталя, благородных металлов и пр. Некоторые из них имели ручку и зеркальце, как у бального веера, а также кольцо или цепочку, чтобы их можно было повесить на сгиб кисти или прикрепить к шателену. До 1950-х гг. портбукет оставался обязательным аксессуаром для парадного бала, но в 1960-х гг. он окончательно вышел из моды и в настоящее время используется только для букета невесты. В англоязычных странах портбукет для композиций из цветов или трав называют тусси-мусси (англ. tussie-mussie от mussie — мох), поскольку именно мхом выкладывают портбукет изнутри: стебельки цветов при этом находятся во влажной среде, и вода не выливается из портбукета.

Прет-а-порте (франц. prêt-a-porter – готовое к употреблению) – 1) модели одежды и аксессуаров, которые изготавливают небольшими партиями и реализуют в маленьких бутиках, принадлежащих Домам Моды haute couture; 2) изделия, выпущенные по лицензии для массового производства вне Домов Моды и продающиеся в больших универмагах. Это часть массовой продукции, в которой наиболее остро проявляется мода данного момента, изготовленная не в столь больших тиражах, как массовые изделия, и именовавшаяся раньше конфекционом – готовой одеждой.
Первые попытки тиражирования высокой моды, означавшие фактическое рождение prêt-a-porter, были предприняты после Первой мировой войны Коко Шанель, Жанной Ланвен, Эльзой Скиапарелли и Полем Пуаре. Но окончательно это направление деятельности Домов Моды утвердилось только в конце 1950 – начале 1960-х гг. Популярность демонстраций созданного в 1960 г. салона prêt-a-porter практически сравнилась с haute couture. Они проходят в апреле и октябре, на 6 месяцев раньше сезона, причем показы не ограничиваются традиционным конфекционом: часть коллекций имеет выставочный характер и не предусмотривает копирование.
Прет-а-порте де люкс (франц. prêt-a-porter de lux) – сегмент рынка моды, промежуточный между изделиями от кутюр и прет-а-порте. Характеризуется высокой ценой, авторством и малой серией, высоким качеством материалов и уровнем мастерства изготовления. В прет-а-портеде люкс разделяют изделия от знаменитых дизайнеров (англ. «Designer ready-to-wear de luxe») и молодых дизайнеров (англ. «Young designer ready-to-wear»).

Прическа Бабетта–в моде 1960-х гг. женская прическа из длинных волос, высоко уложенных на макушке при помощи начеса. Популярностью она обязана Бриджит Бардо, снявшейся в роли Бабетты в фильме «Бабетта идет на войну» (франц. «Babette s'en va-t-en guerre», 1959), а появлением – стилисту Жаку Дессанжу, в наши дни владеющему сетью салонов красоты по всему миру. За годы популярности прическа обрела множество вариантов: гладко зачесанная или с небрежно выпадающими прядями; с длинной косой или ровной прямой челкой и совсем без челки; с накладной косой, лентой, платком или широкой полоской ткани, обернутой вокруг пучка; с нитью жемчуга или диадемой для свадебного варианта; с цветами или заколкой для торжественного вечера; с тонкой ленточкой, повязанной кокетливым бантиком – для бабетты в стиле Беби-долл; с эластичной повязкой для плотной укладки и придания спортивного вида. Прическу Бабетта делают и на коротких волосах при помощи накладок и шиньонов. Кстати, впервые образ Бабетты был использован в 1924 г. в рекламе аромата «Mon Parfum» бренда «Bourjois» Бабетта была для женщин гидом в мире красоты, раскрывая достоинства макияжа и парфюмерии бренда. Всего было придумано более 200 историй, каждая из которых имела свое название: «Бабетта в беде!» (фр. «Babette dans de beaux draps!»), «Бабетта пытается закрыть чемодан» (фр. «Babette essaie de fermer sa malle»), «Бабетта готовит шедевр» (фр. «Babette prépare un chef d’oeuvre»), «Бабетта и упрямый жених» (фр. «Babette et le fiancé récalcitrant»). Иногда рекламу наделяли социально-политическим смыслом: в 1936 г. изображение женщины с модной короткой стрижкой сопровождалась лозунгом «Женщина будет голосовать!» (это право женщины получили только в 1945 г.).

Роб, роба по-английски – в 1778 – 1785 гг. верхняя женская одежда без корсета и обручей для юбки. Для нее был характерен лиф, удлиненный сзади в виде углового выступа, который опускался ниже талии.

Ротонда (итал. rotunda от лат. rotundus – круглый) – длинная верхняя женская одежда в виде накидки без рукавов и застежки, с прорезями для рук. Вошла в моду в начале 1870-х гг. Летние ротонды часто имели небольшой стоячий воротничок и отделку стеклярусом и тесьмой, зимние отделывали мехом.

Сапоги-ботфорты (франц. bottes fortes – крепкие сапоги) – изначально высокие мужские сапоги с тупым носком, жесткими голенищами и широким раструбом, модные в эпоху барокко. Сзади были высотой до подколенной ямки, спереди – значительно выше колена. Ботфорты для выхода в свет украшали лентами и кружевами. В российской армии были введены в 1700 г. в драгунских полках и для чинов пехоты, имевших по штату лошадей. Изготавливали их из черной кожи с мягким или твердым голенищем, с подколенным вырезом и обязательным козырьком, закрывающим колено. В 1963 г. дизайнер обуви Роже Вивье для коллекции Ива Сен-Лорана первым создал женские модельные ботфорты из крокодиловой кожи на низком каблуке и со слегка зауженным носком. В 1967 г. в блестящих черных ботфортах от Вивье и кожаной мини-юбке Бриджит Бардо снялась в клипе к песне «JeT'Aime Moi Non Plus» Сержа Генсбура, сидя на мотоцикле «Харлей-Дэвидсон». В 1968 г. Пьер Карден предлагал ботфорты из лакированной кожи в комплекте с монохромными платьями-футлярами из джерси и лаковыми перчатками до локтя в тон. Крокодиловые ботфорты носил Рудольф Нуриев, а белые ботфорты Джейн Фонда в роли Барбареллы из одноименного фильма 1968 г., созданные итальянским художником по костюмам Джулио Колтеллаччи, удерживались доходившими до плеч кожаными ремешками. Благодаря фильму «Красотка» (1990) с Джулией Робертс в главной роли в 1990-е гг. ботфорты вновь стали самым модным вариантом женских сапог. В следующий раз эта мода вернулась в 2009 г., когда Мадонна на ежегодном вечере Института костюма в Нью-Йорке появилась в очень узких брюках из голубого атласа и кожаных ботфортах от «Louis Vuitton» на увеличенных каблуках Людовик.

Стиль милитари лук  (от англ. military – военный и look – внешний вид) – утвердившийся в 1970 – 1980-е гг. военизированный стиль, истоки которого лежат в одежде гражданского населения после Второй мировой войны, выросшей в полноправное направление моды «благодаря» разрушенной войной легкой промышленности. Вернувшиеся с фронтов мужчины были вынуждены носить военную одежду, к тому же она была чрезвычайно удобна и напоминала им о героических днях сражений и победах, выделяя среди гражданского населения. Именно ее изначально заимствовал уличный стиль. В разгар движения против войны во Вьетнаме хиппи, демонстрируя презрение ко всему агрессивному, стали подчеркнуто небрежно носить расстегнутые гимнастерки в сочетании с яркими майками и футболками, спущенные на бедра военные штаны, не зашнурованные ботинки и прочие армейские атрибуты. Потенциал этого гротеска оценили модельеры. Использующая силуэты и покрой униформы «мирная военная» одежда была с восторгом воспринята целым поколением мужчин и стала для них способом выражения характера завоевателя и скрытой сексуальной агрессии. Так появился подхваченный армией модников стиль military fashion, оказавшийся намного более востребованным, чем просто униформа. Сегодня стиль милитари популярен и у слабого пола, поскольку он привлекает не меньше внимания, чем мини.
В современном варианте стиля различают молодежный милитари с использованием одежды военного покроя; формалистический милитари, в основном использующий цвета хаки, зеленый и коричневый, а также камуфляжный окрас; дизайнерский high-military, в котором присутствуют лишь отдельные элементы униформы. В первом варианте это куртки, штаны типа карго, высокие ботинки и сапоги на шнуровке, береты (от стандартных зелено-серых до черных а-ля Че Гевара), в холодное время – летные шлемы. Куртки-бомберы, пальто-дафлкоты, бушлаты, кители в стиле high-military предлагали Джорджио Армани и Раф Симонс, шинели и пиджаки в мужском варианте, пальто и жакеты в женском с отделкой шнурами и бранденбургами – Александр МакКуин и Жан-Поль Готье.  

Стиль нью-лук (англ. new look – новый взгляд) – созданный Кристианом Диором в 1947 г. женственный и элегантный стиль с одеждой удлиненного силуэта, открытой шеей, покатой линией плеч и осиной талией, дополненной туфлями на высоких каблуках. Символом стиля стали звезды кино Бриджит Бардо, Одри Хэпберн и Симона Синьоре. Название стиля закрепила за ним главный редактор журнала «Harper’s Bazaar» Кармел Сноу. Стиль нью-лук в отечественном варианте  – фильм «Карнавальная ночь» с Людмилой Гурченко – появился с опозданием почти на 10 лет (премьера состоялась 29 декабря 1956 г.).

«Стрела Амура», впервые появившись в моде стиля ампир, быстро стала очень актуальным аксессуаром, поскольку отсылала к мифологической богине охоты Артемиде/Диане, а также продолжала традицию языка флирта галантного века: украшая стрелой свою прическу, дама давала мужчинам понять, что связываться с нею опасно. С увлечением эстетикой рококо в середине XIX века «Стрела Амура» приобрела более романтическую трактовку. Она дополняла декор броши-подарка от признающегося в своем чувстве влюбленного мужчины или говорила, что ее владелец или даритель страдает от неразделенной любви. Вариантом «Стрелы Амура» была брошь «Триумф любви», которую дарили невестам и женам. В ней лук и стрелы (две свободные и три в колчане) соседствовали с парой голубков, двумя сердцами в огне и брачным факелом. Иногда к ним добавляли букетик незабудок, подснежников,  крокусов или асфоделей (на языке цветов – «буду вечно любить/помнить даже за гробом, на полях асфоделей»). После того, как принц Альберт подарил королеве Виктории обручальное кольцо в виде змеи с изумрудной головкой, ее также включили в список романтических аксессуаров. Так появилась «Стрела Амура, обвитая змеей» как символ вечной любви.

Тренчкот (от англ. trench – ров, траншея и coat – верхнее платье, пальто), бёрберри – пальто, созданное английской фирмой «Burberry» и ставшее классикой. Вошло в обиход в конце Первой мировой войны в среде английских и французских офицеров. Тренчкот имел все, что создавало во фронтовых условиях ощущение удобной и практичной одежды: вместительные карманы, пристегивающуюся теплую подкладку и воротник, глубокую шлицу на застежке сзади, широкий пояс с пряжкой, ремешки с пряжками у кромок рукавов и воротника. Пальто шили двубортным из непромокаемой ткани (габардина или коверкота), пуговицы были плетеными из кожи. Тренчкот сохранился в моде до наших дней, претерпевая, в зависимости от тенденций, незначительные изменения (длина, цвет). Все детали кроя, включая асимметричную кокетку и подкладку из фирменной ткани в клетку Nova, остаются обязательными.

Турнюр (франц. tournure – осанка, манера держаться) – специальная подушкака или накладка из туго накрахмаленной ткани, закрепленная в верхней части заднего полотнища нижней юбки. Юбки с турнюрами в начале 1870-х гг. ввел в моду Чарльз Ворт, использовавший в платьях для своей заказчицы императрицы Евгении элементы исторического костюма (в частности, фижмы). Турнюр, пышные драпировки, банты и складки над ним сместили композиционный центр женского платья назад и вместе со шлейфом создали новый силуэт. Турнюры были обязательной деталью одежды консервативных кругов, своеобразным противовесом движению за эмансипацию. В последнее десятилетие XIX в. турнюр стал меньше, и юбка облегала бедра практически без складок. Окончательно вышел из употребления в период Первой мировой войны.

Тягиляй, тегиляй – в Древней Руси длинный кафтан конников с воротником-козырем и короткими рукавами. Шили из сукна или толстой хлопчабумажной ткани на подкладке, подбивали слоем пакли, прокладывая металлическими пластинами, их обломками и обрывками старых кольчуг.

Фрез, фреза (франц. fraise – брыжи) – широкий белый плоеный воротник, плотно прилегающий к шее. Впервые появился в XVI в. в испанском костюме. После 1575 г. фрез стал самостоятельной деталью модной мужской и женской одежды и увеличился до таких размеров, что приобрел название «мельничный жернов». Шили его из тонкого полотна, складки крахмалили, иногда прокладывая проволочный каркас. В начале XVII в. фрез делали из прямой полоски ткани со свободными складками. В 20 – 30-е гг. XVII в. его постепенно вытеснил стояче-отложной воротник раф. Фрез окончательно вышел из моды в конце 30 – начале 40-х гг. XVII в. Но в Германии и Фландрии фрез носили до начала XVIII в., в XVIII в. он сохранялся как обязательная деталь еврейского костюма. Фрез до сих пор встречается в некоторых национальных костюмах и является элементом классического костюма персонажа итальянской комедии дель арте Пьеро. Некое подобие фрезы небольшого размера из нескольких рядов туго накрахмаленных кружев появилось в первой четверти XIX в. в женских костюмах «Бэтси», названных в честь английской королевы Елизаветы I (1533 – 1603).

Хламис (греч.) – плащ античных греков, укороченный вариант гиматиона, который делали из полотна ткани размером приблизительно 1 х 2 м. Его носили юноши, всадники, солдаты и путешественники, а в эпоху эллинизма – полководцы, в последнем случае хламис был пурпурным. В Римской империи он был также женской одеждой. В античной иконографии в хламисе изображали бога Гермеса-Меркурия.

Шарм (англ. charm — обаяние, очарование) — подвеска с романтической и флирт-символикой (сердечко, якорь, яблоко и т.п.), которую носят на специальных браслетах или брошах-булавках, на ожерельях-сотуарах и просто на шейной цепочке. Шарм-браслеты собирают, присоединяя к ним подвески, имеющие важное значение только для его владельца: маленькие копии вызывающих сентиментальные воспоминания предметов, подаренные любимыми людьми вещицы, подвески-инициалы, символы посещенных городов и знаменитых мест и прочее.
Мода на шарм-браслеты с подвесками из серебра родилась благодаря королеве Виктории. По утрам она выбирала по одной и более подвесок для каждого звена цепочки в соответствии с настроением: ироничные, сложные с подвижными частями, романтические с сердечками, памятные с медальонами-локетами, «деловые» с монетками и «парадные» с драгоценными камнями. Эта традиция была заимствована российским императорским двором – шармы-подарки от «Фаберже» преподносили на семейных торжествах. В ХХ веке самыми известными коллекционерами шарм-браслетов были Жаклин Кеннеди и Элизабет Тэйлор. На любимом браслете Тэйлор все 20 шармов наделены конкретным содержанием. Это копия гравированного нумератора с хлопушкой в память о фильме  «Укрощение строптивой», ювелирная лупа с именем Элизабет, золотая сфера с четырьмя медальонами с выгравированными именами и датами рождения ее детей и так далее. Знаменитым является и принадлежавший Уоллес Симпсон платиновый шарм-браслет от «Cartier» с девятью крестами, декорированными бриллиантами, сапфирами, рубинами и аквамаринами. Каждый крестик означал памятное для герцога и герцогини Виндзорских событие: на одном из них была выгравирована дата их свадьбы, на другом надпись «Бог приберег короля для Уоллис» и т.п. Массовой мода на шарм-браслеты стала в год окончания Второй мировой войны, когда в качестве подарков родным военные привозили с собой сувениры и рассказывавшие какую-то личную историю предметы. Шарм-браслеты с изображениями своих кумиров коллекционировали фанаты «Битлз». В настоящее время большой популярностью пользуются шарм-браслеты от «Pandora» и «Guess». Дорогие во всех отношения вещицы изготавливает ювелирный дом «Cartier»: шарм «Пчела» (англ. «Bee») из розового и желтого золота с цаворитами, желтыми сапфирами, бриллиантами и другими драгоценными камнями; «Жук» (англ. «Beetle») из белого золота с лунным камнем, голубыми сапфирами, ониксом и бриллиантами и другие. А бренд «Fabergé» разработал современный вариант подвесок в форме знаменитых яиц, в том числе  золотое яйцо-шарм с бриллиантами, на котором можно выгравировать слова послания или инициалы. Нина Гарсия, редактор моды журнала «Marie Claire», постоянный член жюри проекта «Подиум» и автор книги «Сто вещей идеального гардероба», включила шарм-браслеты в список обязательных принадлежностей современной модницы.

Шемизетка (франц. chemisette от chemise – рубашка) – изначально  название просторной мужской куртки из тафты, которую надевали поверх рубашки, затем богато украшенная на груди нижняя сорочка, которую поддевали под верхнюю одежду с глубоким разрезом. В XVIII в. название вошло в женскую моду и вплоть до второй половины XIX в. относилось к вставке из газа, муслина, кисеи или гипюра для повседневного платья. Во второй половине XIX в. шемизеткой стали называть широкую кофточку из тюля или кружев, которую носили поверх домашних платьев и капотов. В XIX в. в России это был предмет нарядной женской одежды, короткая полупрозрачная блузка в форме лифа с рукавами, отделанная вышивкой и кружевами, оборками и рюшами, стеклярусом и бисером.

Шляпка «менингитка» – в 1950-е гг. в СССР название крохотной шляпки в виде ленты, полоски из ткани или плетеной соломки, практически не защищавшая от переохлаждения, что и послужило поводом для ее названия.

Энджел слив (англ. angel-sleeves – ангельские рукава) – 1) в одежде эпохи средневековья расширяющиеся книзу рукава; 2) в XVI в. в придворных платьях английских аристократок воронкообразные, отогнутые кверху части рукавов на подкладке цвета отделки.

Юбка карандаш – суженная книзу юбка длиной чуть ниже колена или слегка удлиненная, с элегантными деталями кроя (вставки, строчка, клапаны). Впервые была предложена Коко Шанель в 1926 г., затем ее ввела в свои коллекции Эльза Скиапарелли, с легкой руки Кристина Диора она стала классикой и в наше время является обязательным компонентом модной капсулы. Удлиненная узкая юбка-карандаш мешает широкому шагу, вынуждая женщин ходить семенящей походкой с покачиванием бедрами «в стиле Мэрилин Монро», что считается очень женственным. По этой причине ее прототипом часто считают «хромую» юбку Поля Пуаре. Классические юбки-карандаш шьют из однотонных шерстяных тканей темного, преимущественно черного цвета, но в 2010-е гг. появились и модели из набивных и трикотажных тканей с лайкрой, в полоску, с цветочным орнаментом, в том числе и винтажным рельефным.

 

 

 

КульМод Энциклопедия

На Энциклопедической странице мы выставляем статьи о происхождении и истории терминов из лексикона моды, упоминавшихся в размещенных на нашем сайте текстах. Это означает, что с введением в оборот новых терминов появляются и новые статьи.

Аксессуары

Амазонка

Атур-а-баньер

«Антверпенская шестерка»

Бандо

Бант-склаваж

Бижутерия

«Бон Марше»

Бутоньерка

Вестидо

Гейбл

«Глаз любовника»

Гламур

Гламуризация

Декольте «Сабрина»

Епанечка

Жакет а ля кули

Карат

Карне, карне де баль

Кладдаг

Колет

Куртка-косуха

Кутюр

Лакенбут

Маленькое черное платье

Музей моды (ModeMuseum), MoMu

Музей «Плагиариус»

Очки для Одри Хэпберн

Очки шпионские

Пат-де-вер

Платье-футляр

Портбукет

Прет-а-порте

Прическа Бабетта

Роб, роба по-английски

Ротонда

Сапоги-ботфорты

Стиль милитари лук

Стиль нью-лук

«Стрела Амура»

Тренчкот

Турнюр

Тягиляй

Фрез, фреза

Хламис

Шарм

Шемизетка

Шляпка «менингитка»

Энджел слив

Юбка карандаш

 
   
     
     
     
  © 2015-2018 Kulmod   открыты к сотрудничеству